Das 66. Internationale Filmfestival von Thessaloniki (30.10.-9.11.2025) rückt eines der größten Erzählmittel aller Zeiten ins Rampenlicht, das auch im Kino weit verbreitet ist und unzählige renommierte künstlerische Werke bereichert und gleichzeitig mehrere Meisterwerke der siebten Kunst auf ein Podest gestellt hat.
Aktuell – Das diesjährige Festival ist eine Hommage an die Technik des Plot Twist und verfolgt einen subversiven Ansatz für dieses wertvolle Erzählmittel. Die Hommage mit dem Titel Plot Twist, Beyond Sixth Sense geht über die beliebtesten und manifeststen Plot-Twists des Kinos hinaus und wirft einen Blick auf seltene und weniger bekannte Filme, die in den letzten fünfzig Jahren, von 1976 bis 2025, gedreht wurden. Unter den Filmen der Hommage stechen zwei Juwelen des griechischen Kinos hervor, Kinetta von Yorgos Lanthimos und The Photograph von Nikos Papatakis. Die Gestaltung des Programms der Hommage wurde von der Kunstkuratorin und Direktorin der Renaissance Society an der University of Chicago, Myriam Ben Salah, durchgeführt, die die Kuration des französischen Pavillons auf der kommenden Biennale in Venedig im Oktober 2026 übernehmen wird.
Das Thema des Plot Twist als Umkippen und Umkehren geht aus dem organischen Dialog zwischen dem Festival und dem Hauptthema der 9. Thessaloniki Biennale für zeitgenössische Kunst aus: „Alles muss sich ändern. Radikale Intelligenz. Saloniki 9“, kuratiert von der Kunsthistorikerin und unabhängigen Kuratorin Nadja Argyropoulou. Die Illustration dieses Dialogs in Form von bildender Kunst zeigt die Ausstellung „Plot Twist (the science fiction change)“, die als Auftakt zu den Ausstellungen der Biennale 9 dient und unter dem Dach von Nadja Argyropoulou und dem künstlerischen Leiter des Festivals, Orestis Andreadakis, stattfindet.
„Die Struktur der Hommage und die Auswahl der Filme führen uns direkt zum Kern der ‚Umkehrung der Erwartungen‘ (wie man die Bedeutung des Plot Twist auf Griechisch festlegen und übersetzen könnte), überschreiten die Grenzen einer einfachen Überraschung und regen uns zu der Erkenntnis an, dass der Schein sehr oft trügen kann“, betont Orestis Andeadakis. Der rote Faden, der sich durch die Auswahl der Filme zieht, zeigt, dass sich hinter dem Begriff des Plot Twists eher Brüche als kluge Umkehrungen oder narrative Mechaniken verbergen – was passiert, wenn das Kino unsere Sehgewohnheiten unterbricht. Die Filme der Hommage erinnern uns daran, dass Geschichten niemals unschuldig sind. Im Gegenteil, sie sind auf Auslassungen, Schweigen, der Macht des Erzählens oder des Unsichtbarmachens aufgebaut. Sie unterhalten nicht nur mit Umkehrungen; Sie verwickeln uns in die Illusionen, die wir zufrieden akzeptiert haben.
In Myriam Ben Salahs eigenen Worten: „Ein Plot-Twist wird oft mit Spektakel verwechselt: die plötzliche Kehrtwende, der nette Trick, der das Publikum nach Luft schnappen lässt. Aber was ist, wenn es bei der wirklichen Wendung gar nicht um Überraschung geht? Was, wenn es um Wiedererkennung geht: diesen beunruhigenden Moment, in dem das, was die ganze Zeit da war, endlich in den Blick kommt. Wie Isabella Hammad schreibt, liegt die Kraft des Erkennens nicht in der Offenbarung, sondern in der verspäteten Angleichung von Wahrnehmung und Wahrheit. Es ist tragisch, nicht weil es schockiert, sondern weil es zu spät kommt.“
Während sie die Äste und Gabelungen der Wendungen der Handlung in Bereichen entlanggeht, die selbst die Kunst des Kinos übersteigen, fügt sie hinzu: „In einigen Teilen der Welt ist die Wendung kein erzählerisches Mittel, sondern eine Lebensbedingung: Wiederholung wird mit Veränderung verwechselt, Katastrophe als Offenbarung inszeniert, Wahrheit wird erst sichtbar, wenn sie das Ergebnis nicht mehr ändern kann. Diese Filme bewegen sich auf diesem Terrain. Sie erinnern uns daran, dass Geschichten nie neutral sind, dass jede Fiktion Konsequenzen hat und dass Anerkennung, wenn sie endlich kommt, keine Lösung, sondern eine ethische Forderung ist.“
Die Ausstellung „Plot Twist (the science fiction change)“ feiert am Freitag, den 31. Oktober, ihre offizielle Eröffnung und ist bis zum 16. November 2025 im MOMus-Experimental Center for the Arts zu sehen. Die Ausstellung ist der Eröffnungsakt der Biennale 9, die im Mai-Juli 2026 in vollem Umfang stattfinden wird.
Den Auftakt der Ausstellung bildet die Installation des Triptychons Urthworks (Slow Action [2010], Urth [2016], Look Then Below [2019]) des hochkarätigen britischen Künstlers Ben Rivers. Darüber hinaus River; Der neue Film Mare’s Nest, der auf dem Einakter The Word for Snow von Don DeLilo basiert und am Locarno Film Festival ausgezeichnet wurde, wird am 66. TIFF in Zusammenarbeit mit dem Athens Avant-Garde Film Festival gezeigt. Ben Rivers wird sowohl an der Eröffnung der Ausstellung als auch an der Vorführung von Mare’s Nest teilnehmen. Die Ausstellung entfaltet sich auch durch die neue Arbeit der Errands Group mit dem Titel U.F.O. lost in HEAVEN (2025) – The Journey of a Forgotten Future und eine Reihe historischer Werke des bahnbrechenden griechischen Filmemachers Kostas Sfikas.
Nadja Argyropoulou betont: „Die Idee des Plot Twists, die Art und Weise, wie er in der Science-Fiction-Kultur wie eine Ahnung, ein Gefühl der Offenheit und einer Möglichkeit auftaucht und in dieser Ausstellung präsentiert wird, die als Auftakt für die Biennale 9 dient, kann als rebellische Einsicht und Katalysator des Wandels wahrgenommen werden. Es ist keine Fuge, sondern eine Notwendigkeit, ein Akt der Koordination mit einer Welt der multiplen Welten, einer greifbaren Vorstellungskraft, eines radikalen Futurismus, während er die Zeit (die Verflechtung von Bestand und Noch-nicht) neu aufbaut, indem er dem Faden des strukturellen Verständnisses der Illiberalität und der kämpferisch-freudvollen Umkehrung ihrer Sackgassen folgt.“
Wie immer wird die Hommage des diesjährigen Festivals durch eine thematische Sonderausgabe ergänzt, die Texte und Analysen von Filmgelehrten, Soziologen und Journalisten enthält. Die Ausgabe wird insbesondere Beiträge von Myriam Ben Salah, Nadja Argyropoulou, dem Drehbuchautor und Autor Nikos Panagiotopoulos, dem künstlerischen Leiter des Festivals, Orestis Andreadakis, und der Koordinatorin des Festivals, Geli Mademli, enthalten und eine Reihe von wegweisenden Texten ergänzen, die sich um das Konzept des Plot Twist drehen.
In dem höchst genialen und Sundance-Gewinner Atropia (2025) von Hailey Gates verwandelt sich ein Filmset in ein simuliertes Kriegsland, das dazu bestimmt ist, die Ausbildung der amerikanischen Soldaten zu verbessern, bevor sie in das Höllenloch des Irak geschickt werden. Die Romanze, die sich zwischen Fayruz, dem Star der „Besetzung“, und einem Veteranen, der die Rolle eines Aufständischen spielt, entwickelt, gefährdet sowohl die Ambitionen des ersteren als auch das gesamte Unterfangen: eine komische Liebesgeschichte im Anzug einer politischen Satire, die direkt aus dem Herzen eines in Amerika gemachten Absurdismus entspringt.
In dem spannenden Bouchra (2025), dem fantasievollen Debütfilm von Orian Barki und Meriem Bennani (letztere hat uns inmitten der Pandemie die süchtig machende Werkreihe 2 Lizards beschert ), entsteht durch die Mischung aus 3D-Animation und dokumentarischem Stil eine unwiderstehliche hybride Erzählung, in der das Kino die komplexe Beziehung zwischen anthropomorphen Kojoten widerspiegelt: einer queeren Filmemacherin, die in New York lebt und arbeitet, und ihrer Mutter, einer Kardiologin, die in Casablanca lebt. Produktion der Fondazione Prada, die gerade ihre Weltpremiere auf dem Toronto International Film Festival feierte.
In Genealogy of Violence (2024) von Mohamed Bourouissa, einem vor Energie strotzenden Kurzfilm, werden ein Junge und ein Mädchen arabischer Herkunft einer ungerechtfertigten und erschöpfenden Identitätskontrolle durch zwei Polizisten unterzogen. Durch den Einsatz ausgeklügelter Techniken sowohl in Bezug auf die Kameraführung als auch auf die visuellen Effekte legt der Film die unsichtbaren, uralten und wiederkehrenden Wege von Gewalt und Diskriminierung frei. Ein Film über die Flucht des Geistes aus einer totalitären Umgebung, vorgetragen von einem facettenreichen und preisgekrönten bildenden Künstler.
In dem abenteuerlichen Film They Are the Dogs (2013) von Hisham Lasri begleitet ein Fernsehteam einen kürzlich entlassenen Gefangenen. Anhand einer modernen Odyssee inmitten des Trubels von Casablanca und der turbulenten marokkanischen Gesellschaft veranschaulicht der Film den ewigen Konflikt zwischen erlebter Erinnerung und irreführender medialer Aufzeichnung und überwindet die Distanz zwischen Rebellion und Unterdrückung.
In dem zärtlichen und zugleich schmerzhaften The Time That Remains (2009) von Elia Suleiman sind die Erinnerungen des Vaters des Regisseurs, die in Form eines Tagebuchs festgehalten wurden, untrennbar mit dem kollektiven und jahrhundertealten Drama des palästinensischen Volkes verwoben. Die Begriffe filmische und historische Zeit werden gefaltet und miteinander verwoben, messen ein nicht geheiltes Trauma und verwandeln das, was bleibt, in eine Erinnerung, Hoffnung und eine solide Erinnerung, in einer subtilen Hommage an das Kino von Jacques Tati.
In dem mystischen und bezaubernden Kurzfilm Kempinski (2007) von Neïl Beloufa tauchen menschliche Figuren durch das tiefste Dunkel der Nacht auf, um Geschichten zu erzählen, die wie eine Reminiszenz aus einer Zukunft kommen und in eine Vergangenheit reisen, die noch nicht enthüllt wurde. Eine jenseitige Mischung aus Science-Fiction, Pseudo-Dokumentation und den ursprünglichen Traditionen Malis, die alle narrativen Gewissheiten zerlegt.
Der entzückende Dokumentarfilm VHS – Cahloucha (2006) von Nejib Belkadhi stellt uns einen tunesischen selbstgebrauten Filmregisseur und Schauspieler vor, der unablässig Amateurfilme vom Typ B-Movies dreht, mit einer Besetzung aus den ärmsten sozialen und bildungspolitischen Schichten, die vom Publikum gelobt werden. Durch die umgekehrte Reflexion der verschwenderischen Ästhetik tauchen wir ein in eine faszinierende Reise in den Kern der Magie des Kinos.
In Kinetta (2005), dem beeindruckenden Regiedebüt von Yorgos Lanthimos, scheint die ganze Welt in einen Off-Season- und Out-of-Work-Status eingetaucht zu sein. Ein Polizist, ein Fotograf und eine Putzfrau nehmen in einer verlassenen und inaktiven Sommerfrische mehrere Verbrechen auf, die in der Region begangen wurden, und stellen sie nach, in einer skurrilen und seltsamen Studie über die immerwährende Unzuverlässigkeit von Bildern und die Wolkigkeit der Realität.
In dem hypnotischen Goodbye, Dragon Inn (2003) der meisterhaften Virtuosin Tsai Ming-liang verwandeln sich die Erzählung des Films, die bewegten Bilder und die Ritualität des dunklen Theaters in ein Land der Geister, der ewigen Wiederkehr, des unerfüllten Verlangens und des Zeitbruchs und erinnern uns daran, dass das Kino über das hinausgeht, was das Auge trifft, und den Geist einfängt. Ein unverzichtbarer Film des 21. Jahrhunderts, für den einzigartigen Genius Loci des Kinos und die Macht des kollektiven Sehens, die heute mehr denn je bedroht ist.
Die Bräute Gottes (1998), der letzte Teil der Trilogie von João César Monteiro, in der der Regisseur die Hauptfigur des João de Deus verkörpert, wandelt auf den bekannten Pfaden des unerbittlichen Sarkasmus gegen religiöse und soziale Heuchelei. Nachdem er von einem „Boten Gottes“ einen Koffer voller Bargeld geschenkt bekommen hat, verwandelt sich der Held des Films im Handumdrehen in einen Tycoon, bleibt aber an seine morbiden Fantasien und Sehnsüchte gekettet.
In dem unvergesslichen Close-Up (1990) von Abbas Kiarostami, dem Film, der ihm einen Platz auf der Weltkinobühne sicherte, dient ein einzigartiger Fall von Identitätsbetrug, in den der iranische Filmemacher Mohsen Makhmalbaf verwickelt ist, als Grundlage für einen faszinierenden Strudel in die weltverändernden Züge der filmischen Wahrheit, die oft jedes ungeschriebene Gesetz der langweiligen Realität abschafft: Ein hybrider Film, der sich in Gefängnissen, Gerichtssälen, belebten Straßen, überfüllten Bussen und Wohnzimmern entfaltet und die gespenstische und doch robuste Natur des Lebens und des menschlichen Zustands enthüllt.
The Photograph (1986) von Nico Papatakis berührt mit dem Kunstgriff eines einfachen Fotos, das als illusionäre Reflexion einer konstruierten Realität dient, die offenen Wunden der heutigen griechischen Gesellschaft: vom Drama der Entwurzelung der Einwanderung bis hin zur düsteren politischen Landschaft und der zerbrechlichen Identität eines Landes im Umbruch. Zugleich webt er eine vielschichtige Allegorie auf die Wahrhaftigkeit und Täuschung von Bildern, in einer grandiosen Parabel auf das Kino selbst.
Der im kolumbianischen Cali gedrehte Film The Vampires of Poverty (1978) von Carlos Mayolo und Luis Ospina prangert die fotogene Ausschmückung der Armut durch die westliche Kultur an. Bewaffnet mit einem bissigen schwarzen Humor geißelt der Film den künstlerischen Opportunismus, der menschlichen Schmerz ausbeutet, sowie die gefälschte Sensibilität als Sprungbrett für Profit und Anerkennung.
Der gewagte Kurzfilm And the Dogs Were Quiet (1976) der Dichterin, Aktivistin, Feministin und lautstarken Verfechterin des Panafrikanismus, Antikolonialismus und „dritten Kinos“ Sarah Maldoror (1929-2020) basiert auf dem titelgebenden Theaterstück von Aimé Césaire, einer der prominentesten Figuren der kreolischen Literatur. Ein dramatischer Dialog, der das Musée de l’Homme in Paris in eine zutiefst allegorische Kulisse verwandelt, seziert das Trauma und die Vulgarität des Kolonialismus sowie die Mechanismen, die dafür sorgten, dass er historisch zum Schweigen gebracht und gerechtfertigt wurde. (opm)
