28. Internationales Dokumentarfilmfestival Thessaloniki – 5. bis 15.03.2026
Eine große Hommage mit Vorführungen, offenen Diskussionen und besonderen Veranstaltungen.
Kunst & Kultur – Durch welchen Prozess gewinnen Archive heutzutage eine unvorhergesehene Bedeutung für unser Leben? Wann immer seltene und verborgene Schätze auftauchen, verändert sich unser Verhältnis zur Welt. Die mentale Linie, die uns mit der Vergangenheit verbindet, wird zur soliden Grundlage für unseren heutigen Weg. In diesem Jahr beschlossen wir, in einer Geste, die von der mächtigen Kraft von Erinnerung und Erinnerung angetrieben wird, in den unmittelbaren Kern der Archivwelt einzutauchen. Das 28. Thessaloniki International Documentary Festival veranstaltet eine große Hommage mit dem Titel „All the world’s memory“; eine Anspielung auf Alain Resnais‘ titelgebenden Dokumentarfilm (Toute la mémoire du monde, 1956), der uns in das innere Heiligtum der Nationalbibliothek von Frankreich in Paris führt. Die Ehrung wird verschiedene Säulen der diesjährigen Ausgabe durchlaufen – von Filmvorführungen und offenen Diskussionen bis hin zum Veranstaltungsort und den Ausgaben des Festivals. Das morgige Archiv zu erstellen, wirft ein Licht auf unsere Gegenwart.
Im Rahmen des Tributs wird eine Reihe faszinierender Found-Footage-Filme gezeigt, die aus reinem Kinomaterial bestehen: Überreste analoger und digitaler Medien, Fragmente von Bildern, die entweder in Lagerhäusern gespeichert oder zufällig gefunden wurden, sogar im Müll, sowie Szenen oder Einzelaufnahmen aus bestehenden Werken. Darüber hinaus werden Auszüge aus längst vergessenen Filmen, Wochenschauen, offiziellen Archiven, Heimvideos, sogar Desktop-Dokumentarfilmen, die Internetmaterial in autonome audiovisuelle Werke verwandeln (die vier Desktop-Dokumentarfilme der Tribute werden in einem einzigen Slot gezeigt), zu Rohmaterial für das Kino umgeformt.
Auftrag eines Originalkunstwerks
Im Rahmen seiner Zusammenarbeit mit dem Allgemeinen Staatsarchiv (GSA) Griechenlands beauftragte das Festival ein originelles Kunstwerk, einen zehnminütigen Kurzfilm, für den talentierten Regisseur Aristotelis Maragkos, der den Silbernen Alexander – Beste Regie Award beim 66. TIFF für seinen Film Beachcomber erhielt. Ein Animationswerk, das die scheinbar statische Welt der Archive in Bewegung setzt und die vielseitigen – menschlichen oder unmenschlichen – Stimmen erfasst, die in unterirdischen Bibliotheken, staubigen Regalen, Papieren in Verwesung, verblassenden Siegeln, rissigen Fotos, handgeschriebenen Notizen und getippten Anweisungen koexistieren. Der Film nähert sich offiziellen Aufzeichnungen nicht als gesetzliche Dokumente, sondern als Archiv unerinnerter Geschichten, sucht nach den Spuren einer unheimlichen Vergangenheit in der Gegenwart, während er sich eine Zukunft vorstellt, die aus den bescheidensten Materialien gebaut ist: eine Zukunft, die Abnutzung als Vorwort der Schöpfung und Vergessen als Voraussetzung für Erinnerung anerkennt, und Archiv als Zeit und Ort der Begegnung.
Offene Diskussion
„Wir werden versuchen, durch eine offene Diskussion, die am Montag, den 9. März (Pavlos Zannas, 11 Uhr) stattfinden soll, in die spannende Archivwelt einzudringen. Die offene Diskussion beginnt mit der Vorführung des experimentellen Kurzdokumentarfilms, der vom Festival an den Filmregisseur Aristotelis Maragkos in Auftrag gegeben wurde. Das Gremium wird bestehen: Elizabeth Klinck (Produzentin, Recherche und Freigabespezialistin für den Einsatz von Archivmaterial in Hunderten internationaler Dokumentarfilme), Vasilis Alexopoulos (Direktor des Archivs der National Broadcasting Corporation [ERT]), Amalia Pappa (stellvertretende Generaldirektorin der Generalstaatsarchive [GSA] Griechenlands), Éric Cambronne (Lizenzdirektor der British Pathé) und Takis Zondiros, bekannt als Greek Visions (Instagrammer/Kurator des griechischen Kulturarchivs). Die offene Diskussion wird von der Journalistin und Regisseurin Marianna Kakaounaki moderiert.“
Der Eintritt erfolgt nach dem Prinzip „Wer zuerst kommt, mahlt zuerst“, nach Ausstellung eines Null-Preis-Tickets. Kostenlose Tickets sind für das Publikum ab 10 Uhr am Vortag der Veranstaltung (Sonntag, 8. März) an allen Ticketschaltern des Festivals erhältlich. Jede Person darf sich zwei Tickets für die offene Diskussion sichern.
Die Sonderausgabe des Festivals, Non-Catalog und First Shot bilden ein dreifaches Archiv. Genauer gesagt wird die Sonderausgabe des Festivals den Archiven gewidmet sein und Texte enthalten, die vom Präsidenten des Generalstaatlichen Staatsarchivs Griechenlands, Dimitris Sotiropoulos, der stellvertretenden Generaldirektorin des Generalstaatsarchivs Griechenlands, Amalia Pappa, dem bildenden Künstler und Schöpfer des Plakats des 28. TIDF Alexandros Psychoulis, dem künstlerischen Leiter des Festivals, Orestis Andreadakis, sowie dem Leiter der Ehrungen des Festivals, Dimitris Kerkinos, verfasst wurden. Was den lang beliebten Non-Catalog mit dem Titel Unarchived betrifft, so präsentiert er Texte von der Grafikdesignerin Yannis Karlopoulos, der Theaterwissenschaftlerin, Kritikerin, Kolumnistin, Übersetzerin und Ausstellungskuratorin Helene Varopoulou, der Filmregisseurin und Assistenzprofessorin an der Fakultät für Bildende Kunst der AUTh Penny Bouska, der Filmkritikerin Manolis Kranakis, dem Programmleiter des Festivals Yorgos Krassakopoulos sowie dem Editionskoordinator und Forscherin des Festivals Geli Mademli. Darüber hinaus spricht das First Shot Magazin auch mit der großen Hommage des Festivals und stellt eine neue und äußerst wichtige Initiative in den Vordergrund, die bald vorgestellt wird.
Das Festival wird an einer Ausstellung im MOMus-Experimental Center for the Arts teilnehmen, mit der Ausstellung THIRD PERSON (PLURAL) des bildenden Künstlers Aikaterini Genisian, die auf der Verwendung von Archivmaterial basiert. Die Filmversion des Werks wird auf dem 28. Thessaloniki International Documentary Festival gezeigt.
Die Filme
Die Filme des Tributs recyceln nicht einfach die Vergangenheit, sondern interpretieren sie durch ein kritisches Prisma neu und öffnen einen Dialog zwischen Erinnerung, Geschichte und Gegenwart.
An der Grenze zwischen Hommage und Frenesi stehend, konzentriert sich der bahnbrechende Film Rose Hobart (1936), inszeniert vom Found-Footage-Pionier Joseph Cornell, einer der ersten Filme dieses Genres, auf die Gesten, den Ausdruck und die Körpersprache von Rose Hobart, der Hauptprotagonistin des Hollywood-Dramas East of Borneo (1931), und liefert einen poetischen Kommentar zur Macht des Kinos als Industrie voller Träume und Exotik.
Das nachdenkliche All the World’s Memory (1956) des großen Alain Resnais, das hinter dem Titel der Würdigung steht, beginnt als Eintauchen in die unsichtbaren Tiefen der renommierten Nationalbibliothek von Frankreich, bevor es sich zu einer tiefgründigen Abhandlung über die Besessenheit der Gesellschaft entwickelt, Wissen zu sammeln und festzuhalten, den unvermeidlichen Mangel des menschlichen Gedächtnisses, und unseren ewigen symbolischen Kampf gegen die unausweichliche Natur der Sterblichkeit.
Durch eine beispielhafte Anwendung der sowjetischen Agitprop-Montage-Prinzipien ist Now! (1965) von Santiago Álvarez überschreitet die Schwelle, die Dokumentarfilme, Wochenschauen und experimentelle Filme miteinander verbindet, und trägt das Ehrenabzeichen als erster (inoffizieller) Videoclip überhaupt. Ein sechsminütiger audiovisueller Hurrikan, der das titelgebende (und in den USA verbotene, als radikal bezeichnete) Lied von Nina Horne mit erdrückenden und bewegenden Momentaufnahmen schrecklicher Rassismus- und Unruhenausbrüche während mehrerer Bürgerrechtsproteste kontrastiert.
Mother Dao, the Turtlelike (1995) von Vincent Monnikendam kombiniert Archivmaterial aus niederländischen Propagandafilmen aus den Jahren 1912–1913, natürliche Klänge und Zwischenfragmente aus Indonesiens mündlicher Überlieferung und verfolgt eine doppelte Mission. Einerseits unschätzbare Dokumente aus dem unbekannten Alltag jener Zeit zu fördern, andererseits die historischen und kulturellen Grundlagen einer kolonialistischen Erzählung hervorzubringen, die darauf besteht, ihre vulgären Ursprünge zu leugnen.
Workers Leaving the Factory (1995) von Harun Farocki untersucht das wertvolle Archivmaterial aus dem legendären Workers Leaving the Lumière Factory, möglicherweise dem ersten Film, der überhaupt öffentlich für ein Publikum gezeigt wurde, durch ein komplexes und facettenreiches Prisma, das die Anfangstage und die Entwicklung des Mediums betrachtet und gleichzeitig eine Reihe faszinierender Fragen zur Natur aufwirft, Identität und Reichweite des bewegten Bildes: Eine flüchtige Darstellung der Vergangenheit, die Erinnerungen aus der Zukunft in sich trägt.
Der Found-Footage-Virtuose Péter Forgács stellt im ikonischen Werk Maelstrom: A Family Chronicle (1997) die glücklichen Momente, die in den Heimvideos einer jüdischen Familie in den Niederlanden, die vor dem Holocaust gedreht wurden, mit Filmwochenschauen gegenüber, vor dem Hintergrund von Radioausschnitten jener Zeit und einem eindringlichen Jazz-Soundtrack. Das Endergebnis löst einen stechenden Schauer aus, da sowohl Opfer als auch Täter des unfassbarsten Grauens unter den Menschen zu sehen sind, die sich amüsieren.
Im Film Images of the Orient: Vandal Tourism (2001) entdeckt das Regieduo Yervant Gianikian und Angela Ricci Lucchi in den Archiven einer britischen oberbürgerlichen Familie eine Reihe von Kurzfilmen, die ein Paar während einer Reise in die britische Kolonialherrschaft 1928 und 1929 drehte, als Höhepunkt des antikolonialen Kampfes. Die scheinbar „unschuldigen“ Momente der Belustigung strotzen von ungestandener Gewalt und Störung und weben eine indirekte und eindringliche Analogie zwischen der kolonialistischen Vergangenheit und dem gegenwärtigen Tourismus.
FILM IST. Ein Mädchen & eine Waffe (2009) von Gustav Deutsch, in fünf Kapitel unterteilt und mit einem Titel, der auf das legendäre Zitat von Jean-Luc Godard anspielt, was man braucht, um einen Film zu drehen, vereint Filmfragmente aus wissenschaftlichen Dokumentarfilmen, frühen Pornofilmen und Szenen aus europäischen Filmen der 1930er Jahre. Ein fieberhafter Zelluloidtraum über das Eros-Thanatos-Doppelsystem und Geschlechterverhältnisse, gefangen im hektischen Kinostrudel.
Die Autobiografie von Nicolae Ceaușescu (2010) von Andrei Ujică skizziert den Aufstieg und Fall des berüchtigten rumänischen Diktators anhand des Propagandamaterials des morbiden Regimes, das er in einer dreistündigen, meisterhaften Meisterleistung von Schnitt und innerem Tempo darstellt, die Dokumente einer vergangenen Unterdrückung in Beweise einer sich selbst erfüllten Prophezeiung des Verfalls verwandelt.
The Three Disappearances of Soad Hosni (2011) von Rania Stephan zollt der einst reichen ägyptischen Filmindustrie eine Hommage mit einem ungewöhnlichen Biopic über Soad Hosni, bekannt als „die Aschenputtel der arabischen Leinwand“, der im schockierenden Alter von 49 Jahren Selbstmord beging. Allmählich, und durch den Einsatz abgenutzter Videomaterial, wird der Film zu einer vielschichtigen und fesselnden Elegie über die Unsterblichkeit von Filmbildern und die zeitgenössische arabische Frauenidentität erhoben.
In Recollection (2015) kehrt der palästinensische Regisseur Kamal Aljafari in seine Heimat Jaffa zurück, um die Geschichte eines Ortes wiederzubeleben, der nicht mehr existiert, wobei er Aufnahmen aus israelischen und amerikanischen Filmen, die zwischen 1960 und 1990 in der Region gedreht wurden, als Grundlage verwendet. Indem die Protagonisten aus dem Kontext des Originalmaterials herausgeschnitten werden, verwandelt sich Rememory in einen erlebnisorientierten Traum, der die Vergangenheit in eine herzzerreißende Gegenwart erweckt.
B-Movie: Lust & Sound in West Berlin (2015), von der Regie-Triplette von Jörg A. Hoppe, Heiko Lange und Klaus Maeck, entführt uns ins Herz einer wilden und hektischen Ära, in der Stadt, die als Wiege des elektronischen Klangs diente und die Underground-Bewegung in der Musik hervorbrachte. Unser Filmführer ist nichts anderes als das unbezahlbare Material, das der unheilbare und bohemienhaft gesinnte Musikliebhaber Mark Reeder besitzt, der Manchester zugunsten Berlins verließ und die Kamera zu einer natürlichen Verlängerung seines Körpers machte.
Mit einer erzählerischen Axt, die durch die mächtigen Worte des Schriftstellers und Denkers James Baldwin (1924–1987), einer der begabtesten Stimmen der schwarzen intellektuellen Elite, und von Samuel L. Jacksons fesselnder Stimme entwirrt wird, seziert I Am Not Your Negro (2016) von Raoul Peck das transgenerationale und ungeheilte Trauma der afroamerikanischen US-Bevölkerung, Er wirft Licht auf die unsichtbaren Wege eines institutionalisierten und gewohnten Rassismus.
My Mexican Bretzel (2019) von Nuria Giménez verbindet Vivan Barretts persönliche Tagebücher mit dem eindrucksvollen Bildmaterial von Léon Barrett von 1940 bis 1960. Die Dokumentation webt Bild für Bild und Moment für Moment eine reiche Erzählung – die Dokumentation verwebt eine reiche Erzählung, die Bild für Bild und Moment für Moment drei Jahrzehnte abläuft und unsere Welt in einer faszinierenden Verflechtung von Persönlichem mit Allgemeinen, historischen Ereignissen und den unsichtbaren Aspekten des Alltags veränderte.
State Funeral (2019) von Sergei Loznitsa gibt uns Einblicke in ein seltenes und bisher größtenteils unveröffentlichtes Archivmaterial von der Beerdigung von Joseph Stalin am 5. März 1953; ein historisches Ereignis, das die gesamte Sowjetunion erschütterte und den Höhepunkt eines fast übernatürlichen Personenkults markierte. Durch die erschöpfende Aufzeichnung dessen, was die Zeitung Pravda als den „Großen Abschied“ bezeichnete, tauchen wir in die inneren Korridore der Absurdität und Manipulationsmechanismen des Regimes ein.
Mit Auszügen aus Filmen, die zwischen 1990 und 2018 gedreht wurden, balanciert Irani Bag (2020) von Maryam Tafakory zwischen einem Filmessay und einer cineastischen Dokumentation und stellt die „Unschuld“ von Bags im iranischen Kino infrage. Ein zurückhaltendes Manifest über die verborgene Unterdrückung weiblicher Identität und Verlangens, das erforscht, wie Bilder Bände sagen oder ersticken, während es uns an die Bedeutung von Trivialität und Details erinnert.
Terra Femme (2021) von Courtney Stephens ist ein eigenwilliger hybrider Filmessay, der feministische Farbtöne widerspiegelt und auf einer Reihe von Amateurfilmreisen basiert, die von Frauen in verschiedenen Teilen der Welt zwischen 1920 und 1950 gedreht wurden. Indem der weibliche Blick auf den Fahrersitz gerichtet ist, zerlegt der Film das patriarchale Modell des männlichen Entdeckers und stellt offen die Geschlechterstereotype der Archive infrage, während er unter der Anleitung des Kinos durch vergangene Welten wandert.
Der Stummfilm Trains (2024) von Maciej J. Drygas zeichnet ein eindringliches Porträt der Geschichte, der Hoffnungen und des – leider wiederkehrenden – Dramas des 20. Jahrhunderts in Europa. Züge werden zu etwas viel Tieferem erhoben als ein einfaches Transport- und Reisemittel: eine sich ständig bewegende Lokomotive, ein endloses Kommen und Gehen vereitelter Visionen und hoher Erwartungen, ein Bogen aus Geschichte und Tragödien, auf einer poetischen Reise in die Tiefen der europäischen Psyche.
Darüber hinaus wird im Rahmen der Zusammenarbeit des Festivals mit dem Allgemeinen Staatsarchiv Griechenlands eine Vorführung des Dokumentarfilms Affection to the People (2013) von Vasilis Douvlis stattfinden. Basierend auf Material aus dem Generalstaatsarchiv untersucht der Film das „Scheren“, das die griechische Militärdiktatur (1967–1974) dem griechischen Kino auferlegte. Basierend auf bis dahin unbekannten Archiven der Junta zeigt die Dokumentation die intrinsische Absurdität, die mit Zensur einhergeht, sowie die düstere Landschaft einer ganzen Epoche.
Die Hommage enthält außerdem eine Reihe von Desktop-Dokumentarfilmen , die eine neue Ära im Dokumentarfilmgenre widerspiegeln, indem sie Internetmaterial in ein autonomes audiovisuelles Werk verwandeln.
Transformers: The Premake (2014) von Kevin B. Lee taucht in die zeitgenössische Politik des bewegten Bildes ein und verwendet den Blockbuster-Film Transformers: Age of Extinction (2014) als Fallstudie. Eine spannende Collage aus Amateurmaterial an Filmsets, offiziellen Trailern und Nachrichtenberichten, die einen transzendentalen Blick auf Hollywoods Einfluss auf unser Leben und die transzendentale zeitgenössische Verehrung von CGI-Visualeffekten wirft.
In 24 Cinematic Points of View of a Factory Gate in China (2023) von Rui An Ho erhält das Überwachungsmaterial einer heimlich im Tor einer chinesischen Fabrik installierten Kamera eine neue Bedeutung, nachdem es in eine Kino-Genealogie aus Workers Leaving the Lumière Factory integriert wurde. Im Gespräch mit Workers Leaving the Factory (1995) von Harun Farocki, das ebenfalls bei der Festival-Tribute gezeigt wurde, entfaltet der Film ein Jahrhundert voller Momente aus europäischem, amerikanischem und chinesischem Kino und formuliert dabei einen bissigen Gesellschaftskommentar.
Palcorecore (2023) von Dana Dawud ist eine rätselhafte Mischung aus Tanz, Archivmaterial und Internetvideos, die Vergangenheit und Gegenwart zu einem einfallsreichen und pulsierenden Porträt des palästinensischen Alltagslebens komprimiert. Eine Collage aus rhythmischer Unordnung und hektischer Bewegung, die das Kino in einen Akt lebendigen Zeugnisses und Widerstands verwandelt und das Rampenlicht auf die Frauen und Kinder Palästinas richtet, die trotz ständiger Todesumgab darauf bestehen, das Leben mit Nachdruck zu wählen.
Der Film Happiness (2025) von Firat Yücel dokumentiert die schlaflosen Nächte einer Gruppe von Aktivisten, die die höllischen Nachrichten aus Palästina und der weiteren Region verfolgen. Ein gequältes und dringendes Bildschirmtagebuch, genau auf dem Interesse zwischen der chaotischen digitalen Landschaft unserer Zeit und der unbestreitbaren Gewalt des modernen Kolonialismus. Auf den Leinwänden und auf den Straßen des Widerstands kämpft das „Glück“ darum, seinen eigenen schmerzhaften Weg zu finden. (opm)
